急求宋代工笔山水画资料

急求宋代工笔山水画资料

在中国绘画的漫长的历史发展中，宋代的工笔画如历史深谷处的幽兰，千百年来始终散发着沁人心脾的芬芳，后人欣赏着，感叹着，赞美着，却始终无法超越宋代工笔画巅峰。

　　工笔画，顾名思义即是以精谨细腻的笔法描绘景物的中国画表现方式。这种写实绘画的基本技法是勾勒和填彩，线条须“工细兼力”，晕染应层层敷色，细腻入微，可以竭尽表现出画家细致的观察能力。

　　工笔画在唐代已盛行起来。所以能取得卓越的艺术成就的原因，一方面取决于绘画的材料改进。工笔画须画在经过胶矾加工过的绢或宣纸上。初唐时期因绢料的改善而对工笔画的发展起到了一定的推动作用，据米芾《画史》所载：“古画至唐初皆生绢，至吴生、周、韩斡，后来皆以热汤半熟，入粉捶如银板，故作人物，精彩入笔。”颜料毛笔也日愈精制。“工欲善其事，必先利其器”，可见绘画工具和材料的进步给宋代工笔画的繁荣创造了良好的物质基础。
　　另一方面，宋代一段时期内社会保持着相对安定局面，商业手工业迅速发展，城市布局打破坊和市的严格界限，出现空前未有的繁荣也是工笔画艺术发展必不可少的条件。北宋的汴梁（今河南省开封市）、南宋的临安（今浙江省杭州市）等城市商业繁盛，除贵族聚集外，还住有大量的商人、手工业者和市民阶层，城市文化生活空前活跃，绘画的需求量明显增长，绘画的服务对象也有所扩大，这一切都为为绘画发展和繁荣提供了物质条件和群众基础。宋代绘画进入手工业商业行列，与更多的群众建立较为密切的联系。一批技艺精湛的职业画家，将作品作为商品在市场上出售，汴京及临安都有纸画行业。汴京大相国寺每月开放5次庙会,百货云集，其中就有售卖书籍和图画的摊店；南宋临安夜市也有细画扇面、梅竹扇面出售；汴京、临安等地的酒楼也以悬挂字画美化店堂，作为吸引顾客的手段。市民遇有喜庆宴会，所需要的屏风、画帐、书画陈设等都可以租赁。适应年节的需要，岁末时又有门神、钟馗等节令画售卖，为市甚盛。人民的需要永远是艺术之花生长最肥沃的土壤。

　　当然还有更重要的一方面就是宋代皇帝宋徽宗赵佶的大力提倡了。在五代南唐、西蜀建立画院的基础上，宋代继续设立翰林图画院，以培养宫廷需要的绘画人才。宋代多数帝王如仁宗、神宗、徽宗、高宗、光宗、宁宗等人都对绘画有不同程度的兴趣，出于装点宫廷、图绘寺观等需要，都很重视画院建设。特别是徽宗赵佶, 宋徽宗在政治上虽然昏庸无能，但在艺术上却睿智全能，除了他本人在绘画上具有较高修养和技巧,还注意网罗画家，亲自经营宫廷画院，主持招考画家入院，还不断搜访名画充实内府收藏，为宋代工笔画跃上历史的巅峰做出了不可抹煞的功绩和贡献。

　　每次展阅宋人画谱，都一定会为它精妙传神的技法，精益求精的精神和艺术上展现的“完美”感叹，细细想来，宋人工笔画如此巨大的魅力乃来自如下几个特点。
　　一，气韵生动，活色生香。南齐时，谢赫就提出中国画六法，即“气韵生动，骨法用笔，应物像形，随类赋彩，经营位置，传移模写”。其中第一点，也是最重要的一点也就是气韵生动啦。比如宋代著名工笔画崔白的《双喜图》，这幅画表象了在萧瑟的秋风里，山雀惊鸣，野兔急回首的动感，而在此之前的一百多年里，北宋的工笔画坛是黄家父子一统天下，画风富丽华贵，情趣平和安详，但却是一种缺乏动态的呆板程式。而崔白的这幅《双喜图》巧妙的讲动物和动物之间，动物和植物之间有机的联系起来，生动活波，形神兼备。
　　在西方写实主义油画里飞禽走兽多作为丧生的猎物与其他餐具，果品组合成静物画，画家们采取对景写生的创作方法，面对扑腾不停的活禽和繁复无穷斑斓的色彩，他们很难捕捉到恰当的色彩变化和动物形态，即如他们的绘画术语所说“不入画”。相反，中国画家注重的就是注重摄取客观对象的自然神韵，中国画家们博闻强记，作画前便已胸有成竹，将生机勃发的大自然融入笔端。他们强调表现活的、有生命的，并且在形色质量上都有其特点和变化的生命体，即所谓“移生动质，变态不穷”。

　　其二，画如其人，立意的高，深，奇，特在于画家的修养。古人要作画.首先要学点文,懂点理论,会写点诗.能研究点儒家学问更好。宋王朝的教育比过去任何时代都发达，这是士大夫努力推广的结果。宋代科举制度完备，书院兴盛；更是由于印刷技术的突飞猛进，民间开始大量刊行图书，而文化普及恰恰赖于图书普及。总的说来，宋代是我国历朝历代中文化气氛最浓厚的一个，在这个时期，不但产生了独领风骚的宋词，直到今天还让西方的政客们羡慕文官制度，当然还有后人无法超越的宋代工笔画。画家们借物寓意抒情，引发观者的联想，从而唤起他们的理想，道德，情操和对社会，人生的体验。

　　宋代重视道教，自真宗时便伪造天书，夸大宣传，道教在政治上的势力超过了佛教。宋朝历代君主迷信道教，而以宋徽宗为甚，他大修道观，封赏道士，甚至自称是神霄帝君下凡，要群臣封他为“教主道君皇帝”。当然道教里诸如天人合一，与万事万物都很和谐的境界也在他的艺术作品里得到了充分表现。比如拿他的《瑞鹤图》来说，那些鹤飞起来所用的技法，也是该劈就劈，该勾染就勾染，粗细变化有致，有写有勒；在宋元时代，这中国绘画最高级的阶段，他们最细的地方比现在工笔画更细，该放的地方就放，在道理上是与自然统一。这种境界，对于我们后人来说，唯有仰望。无怪乎许多人感叹：工笔画到现在早已经没有宋元那种贵气，那种品格。
　　此外，宋代兴起的二程理学，也对绘画风格有很大的影响。理学讲究个人道德修养，严格地遵守范制，他们认为人生应该严肃。大多数史学家对宋代理学是持负面评价的，认为它残忍禁锢人民的行为与思想，害人不浅啊。但宋代工笔画表现手段的格律化，多多少少也是受这种哲学思潮的影响吧。宋代的工笔画在造型和设色上都有 一定的范式，比如取象单纯且多取折枝形式；在布局上讲究宾主，呼应，开合，疏密，聚散等格法；在技术上以线为主造型，注重笔墨表现，敷色务求纯，明，均，净，多层晕染，薄中见厚，富于装饰性；总之，归纳了一整套勾勒，罩染，晕染，渍染，提染，填涂，背衬等等技巧和步骤。这一整套传统的表现手法和技法程式，造就了宋代工笔画的辉煌。

　　其三，师法自然。这也是艺术的最高境界了，自然才是画家们最好的老师。这一点，在宋代的工笔画创作中体现得淋漓尽致。宋代花鸟画家极注重对动植物形象情状的观察研究，并为此而养花养鸟。赵昌清晨绕栏谛玩，对花调色写生；易元吉深入荆湖深山，观察猿猴野生情状；韩若拙画翎毛,每作一禽,自喙至尾、足皆有名，谙熟解剖结构。宋代花鸟画家画花果草木，有四时景候、阴阳向背、笋条老嫩、苞萼后先，务求生动逼真。宋徽宗主持画院时取士的标准之一就是“物之情态形色，俱若自然，笔韵高简为工”，他直接知道画院画家的创作，强化了这种重形似的院体画风格。他曾命画家们画孔雀升墩屏障，结果没能使他满意，他指出孔雀升墩是先举左脚，而画中都是先举右脚。当龙德宫壁画完工后，徽宗观过全壁，竟无一处使他心悦，唯独称赞一只斜枝月季花，认为“月季鲜有能画者，盖四时，朝暮，花蕊叶皆不同，此作春时日中者，无毫发差”。再比如李公麟的人物画为什么难度大，后人无能超越呢，因为在他画中即便画眉毛、胡子、头发都是用三种不同的方法完成的，因为头发、眉毛、胡子的硬度不一，三种不同的东西如果按
　　三种不同的东西如果按一种线是不可能画好的，后代画画得再好，功夫再大，但画里已经没有细节和微妙的美感了。当然这并不意味着死扣细节，舍本逐末，而是从中我们看到画家们对大自然的热爱和一种生命的激情。他们是以心灵驾驭笔墨，此时，艺术创作的过程不仅仅是再现客观的过程，更是主客观的同一。

　　宋代，那是一个孤独而软弱的王朝在四面异族的侵略中独自感伤的朝代，是一个平平仄仄泪眼问花的朝代。宋代的工笔画不像唐代山水那么气势磅礴，也没有明清文人画那种淋漓尽致的狂狷，它有的是一种沉静中的自由，柔软中的坚毅。看似不经意的一笔一画，看似普通平常的一花一木，一石一鸟，一山一水，却又那么的不平常，在画家们丝毫不动生色的时候，他们的思想可能是自由的，在他们表面顺从，格律化中可能包含着永远不会改变的东西，包含着宋代工笔画的精神。那时候的画家心态观其作品都显得非常沉稳，无丝毫矫柔造作心态。这在今天是很难得的。时代已经发展到工业化时代，画中的沉稳和宁静，以及悠悠古意也正是繁忙的都市中人们内心所渴望的。历史的深处——幽兰永远散发着芬芳。